El Invitado de RFI - El realizador chileno Juan Caceres estrena en Paris su pelicula Perro bomba

La realizadora mexicana Valentina Leduc presentaba este miércoles en el cine La Clef de París y el jueves en la Escuela de Artes Decorativas su película “Los sueños que compartimos” en la que nos ofrece una mirada llena de esperanza a través de un mundo nuevo a partir de la organización comunitaria. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Valentina Leduc Navarro nació en Ciudad de México en 1969. Es considerada como una de las editoras más reconocidas del cine en México. La mirada y la propuesta narrativa de Valentina Leduc Navarro han quedado impresas en largometrajes como La Vocera, Luciana Kaplan (2020); Cartas a distancia, de Juan Carlos Rulfo (2020); Temporada de Campo, de Isabel Vaca (2020) Lorena, la de pies ligeros, de Juan Carlos Rulfo (2019); Sonora, de Alejandro Springall (2018); Locura al Aire, de Alicia Cano (2017); Plaza de la Soledad, de Maya Goded (2015); Las oscuras primaveras, de Ernesto Contreras (2013); Carrière, 250 mts. de Juan Carlos Rulfo (2011), Vuelve a la vida, de Carlos Hagerman (2013); Tiempo Suspendido, de Natalia Bruschtein (coedición, 2013); Los que se quedan, de Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman (2008), Cobrador, In God We Trust, de Paul Leduc (2006), y En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo (2006), por mencionar algunas. Ha recibido el Ariel de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas en cuatro ocasiones: como directora, con los cortometrajes Un volcán con lava de hielo y La historia de I y O, y como editora con En el Hoyo, de Juan Carlos Rulfo, y Las Oscuras Primaveras, de Ernesto Contreras. Ha sido nominada al premio Ariel como Mejor Edición en otras cinco ocasiones con las cintas: Cobrador: In God We Trust (2006), Carrière, 250 metros (2011), Plaza de la Soledad (2016), Sonora (2018) y La Vocera (2020). Ha participado como jurado en diversos festivales nacionales e internacionales, e impartido seminarios y Master Clases tanto en México y como en el extranjero. ¨Los sueños que compartimos¨ es su primer largometraje como directora.

El artista argentino Ricardo Mosner, miembro de “El colectivo” -colectivo compuesto por artistas mayoritariamente argentinos en Francia- nos presenta su nueva exposición que acaba de inaugurarse en la Galería Jorge Alyskewycz de París con el título de “Las pasiones de la razón & viceversa” en El invitado de RFI con Jordi Batallé. Ricardo Mosner (Buenos Aires, 1948), quien vive y trabaja en París desde 1972, es un artista contemporáneo. Con este término quiero decir que es un artista auténticamente de su tiempo. No habiendo querido encerrarse o limitarse nunca a una sola actividad, Mosner ha incursionado desde 1970 —gracias a su desbordante curiosidad sin prejuicios y con una libertad que no admite ninguna restricción— en el teatro, el video, el afiche cultural y publicitario, así como en la radio y la ilustración, sin nunca faltar a su pasión central, motor de su energía: su triple actividad de pin tor, escultor y grabador. Esta versatilidad, que algunos pueden reprobar en nombre de una especialización (con frecuencia cas tradora), o de una identificación simplificadora, hace parte de su na turaleza inmutable. Bulímico, antropó fago dentro de la más pura tradición latinoamericana (Picasso u otros se esbozan en ocasiones, como en Trébol) , Ricardo Mosner es, sin embargo, un artista atormentado por la obsesión y la inquietud. Sus interrogacio nes sobre las relaciones entre el hombre y el mundo le han llevado a colocar la figura humana en el centro de sus preocupaciones formales y es téticas. Eje y pedestal de su indagación esencial, la figura humana es triturada, amasada, estirada, recogida, cortada, desdoblada, sigue siendo humana. Reinventada con ins pirateación y con cierta malicia, el sopor te puede ser el lienzo, el cartón, el hierro, la madera, el alambre, el yeso, el papel. Los pigmentos son trabaja dos al máximo de su potencial, den tro de una gestualidady un deseo de experimentación que le permiten a Mosner establecer un registro Infinito de actitudes, de fisionomías y de caracteres. Sin caer nunca en la repetición o la rutina, sin querer adherirse al arte bruto o limitarse a la sola fi guración narrativa, sino más bien manchando al lado de un Baselitz, un Clemente o un Lupertz, en la tradición de la década de 1980, pero con humor y ternura. Su vena carica turesca lo acerca a la obra de Anto nio Seguí, con quien comparte esa constante del espíritu pictórico argentino. Lo que caracteriza y hace interesante el arte de Mosner es que no va en contra del famoso adagio libertario del poeta: "Haz lo que te plazca". El mundo urbano de Mosner no está organizado en trama, como, por ejemplo, en la obra de Seguí; su desorganización, que es sólo aparente, es más bien el resultado de lo que podría llamarse su generación espontánea. El rostro se descompone para reconstruirse mejor, en sinuosidades y curvas. Sin embargo, esta aparente facilidad es el fruto de un trabajo constante de búsqueda y de introspección sobre la expresión del cuerpo y del rostro, y las manos en particular. La misma fobia al vacío reaparece en los bosques y dibujos de sus innumerables cuadernos, verdaderos trazos entrelazados (o escritura automática) de objetos orgánicos. La proliferación y prolijidad de personajes (tintas) que recubren sus cuadernos son a la vez el preludio y el alter ego de sus lienzos, en donde, de manera diferente pero continua, el artista abrevia la forma y la materia, en búsqueda de la individualización del personaje y su densidad. Los hombres (o las mujeres) están solos sobre el lienzo, sin contexto, sin escolta iconográfica, sin ninguna posibilidad de una pista sociológica o antropológica (objetos, naturaleza) para el espectador, aunque la influencia de la danza y el teatro es omnipresente ( Las 3 noches y Envueltos , técnica mixta sobre papel, 1998 y 1999). El hombre está solo consigo mismo y con la mirada del otro. Él es a veces torpe y miedoso, su cuerpo es macizo, apenas esbozado o, por el contrario, muy trabajado. Sus...

El artista argentino Octavio Blasi inaugura este viernes 8 de mayo su exposición ‘Ida y vuelta’ en la Galería Argentina de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Octavio Blasi ha nacido en Cordoba, Argentina en 1960. Su trayectoria se ha tejido entre la exploración estética y una profunda conexión con su contexto cultural. Nacido en Argentina, su infancia estuvo marcada por la curiosidad y la observación constante del entorno, elementos que más tarde se transformarían en el motor de su obra. Desde joven mostró inclinación por las artes visuales, encontrando en el dibujo y la pintura no solo un medio de expresión, sino una forma de comprender el mundo que lo rodeaba. A medida que fue creciendo, Blasi comenzó a desarrollar un lenguaje propio. Sus primeras obras reflejaban una búsqueda intensa, en la que experimentaba con materiales, formas y colores, sin miedo a equivocarse. Esta etapa de exploración fue clave para definir su identidad artística: una mezcla de sensibilidad, introspección y una mirada crítica sobre la realidad. Con el tiempo, su trabajo empezó a ganar reconocimiento en circuitos locales. Exposiciones en galerías y espacios culturales le permitieron entrar en diálogo con otros artistas y con el público. En estas instancias, su obra fue consolidándose como una propuesta auténtica, capaz de generar preguntas más que respuestas, invitando a quien la observa a detenerse y reflexionar. La producción de Blasi se caracteriza por una tensión constante entre lo figurativo y lo abstracto. En sus piezas, los límites entre ambas dimensiones se difuminan, dando lugar a composiciones que parecen estar en permanente transformación. Esta ambigüedad no es casual: responde a su interés por capturar la complejidad de la experiencia humana, aquello que no siempre puede ser nombrado con claridad. A lo largo de su carrera, ha atravesado distintas etapas creativas, cada una marcada por cambios en su técnica y en sus preocupaciones temáticas. Sin embargo, hay un hilo conductor que permanece: la necesidad de explorar lo invisible, de dar forma a emociones, recuerdos y tensiones internas. Su obra, en este sentido, puede leerse como un diario visual, una cartografía íntima de su propio recorrido. Más allá de las exposiciones y el reconocimiento, Octavio Blasi continúa trabajando desde un lugar de búsqueda. Lejos de instalarse en fórmulas seguras, su práctica artística se mantiene abierta, en constante transformación. En cada nueva obra, parece volver a empezar, como si el arte fuera, para él, no un destino, sino un camino que se recorre una y otra vez.

El poeta mexicano Audomaro Hidalgo acaba de publicar “Matière noire / Materia oscura” libro en versión bilingüe en la editorial francesa Editions Phloème. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Poeta, ensayista y traductor mexicano, Audomaro Hidalgo estudió Literatura Hispanoamericana en la Universidad Nacional del Litoral unl, en Santa Fe, Argentina. Maestro en Literatura por la Universidad de La Havre en Francia. Fue becario de la Fundación para las Letras Mexicanas flm y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes fonca, del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Tabasco, del Programa de Apoyo a la Creación y Desarrollo Artístico pecda de Tabasco y del Programa de la Unión de Universidades de América Latina. Obtuvo el Premio Tabasco de Poesía José Carlos Becerra en 2013 y el Premio Nacional de Poesía Juana de Asbaje en 2010 con el libro El fuego de las noches. Dirigió durante cinco años el Encuentro Iberoamericano de Poesía "Carlos Pellicer", celebrado en Villahermosa. Reside en Francia desde 2016.

El flautista chileno Boris Rojas Oyanedel presenta el 9 de mayo en un con cierto en la iglesia Sainte-Thérèse des Joncherolles de Saint Denis su nuevo álbum dedicado a obras para flauta solo de Bach. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Boris Rojas Oyanedel, flautista chileno con maestría en el Conservatorio Regional en Francia y ex estudiante del Liceo Experimental Artístico de Santiago de Chile, es actualmente profesor en el Conservatorio de Saint Denis, localidad aledaña a París.

El escritor chileno José Francisco Robles acaba de presentar en la librería parisina SMD Books su novela “Historia de la lluvia” que ha editado en español las Ediciones Equidistancias. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El Invitado de RFI para presentárnosla. José Francisco Robles nació en Santiago de Chile en septiembre de 1979. Entre sus publicaciones destacan los libros Polemics, Literature, and Knowledge in Eighteenth-Century Mexico: A New World for the Republic of Letters (Oxford, 2021), ganador del Louis Gottschalk Prize 2022, los libros de poesía Especies (Granada, 2022) y La isla blanca (Santiago, 2024). Ha estado a cargo de la edición y co-traducción de una selección poética de Vicente Huidobro, Poetry is a Celestial Attack / La poesía es un atentado celeste (Santiago-Barcelona, 2022) y de la edición de Se escribe en español: una antología poética del Puget Sound (Seattle, 2025). Ha participado en diversos proyectos literarios y académicos tanto en América Latina como en Estados Unidos. Vive en Seattle donde enseña literatura latinoamericana en la Universidad de Washington.

El escritor venezolano Pedro Plaza Salvati presentaba el pasado viernes su libro “La vida interrumpida, crónicas de un regreso a Caracas” en la Maison de l’Amérique Latine de París con la participación del escritor y editor venezolano Gustavo Guerrero. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Pedro Plaza Salvati nació en Caracas, Venezuela en 1967. Se graduó cum laude en Estudios Internacionales en The American University de Washington D. C., y cursó una maestría en Escritura Creativa en la Universidad de Nueva York y un máster en Creación Literaria en la Universidad Pompeu Fabra. Es autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Su obra Lo que me dijo Joan Didion: crónicas de Nueva York obtuvo el XVI Premio Anual Transgenérico de la Fundación para la Cultura Urbana, Venezuela, Finalista del 69º Concurso de Novela Ciudad de Valladolid. Autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Ha publicado crónicas y artículos literarios en Zenda Libros, Hedónica, Prodavinci, Asymptote, Latin American Literature Today, Papel Literario, Ficción Breve y Buensalvaje.

El fotógrafo peruano Javier Silva Meinel acaba de inaugurar en la Maison de l’Amérique latine de París la exposición “Umbrales” en la que muestra su trabajo fotográfico de casi medio siglo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañado por Alejandro León Cannock, comisario de la muestra. Javier Silva Meinel nació en 1949 en Lima, donde reside y trabaja actualmente. Está representado por la Galería Younique. Javier Silva Meinel es una de las figuras más destacadas de la fotografía peruana y latinoamericana. Su obra dialoga con los fotógrafos más importantes de su generación, como Graciela Iturbide, Juan Carlos Alom, Paz Errázuriz y Fernell Franco. Decidió dedicarse a la fotografía a mediados de la década de 1970. Posteriormente, se vinculó al movimiento que surgió en torno a la ya legendaria Fotogalería Secuencia, fundada en Lima por Fernando La Rosa en 1977. Durante más de cuarenta años, ha recorrido el Perú, creando una obra en blanco y negro de gran intensidad, donde retratos, paisajes y rituales exploran las conexiones entre la humanidad, el territorio y lo sagrado. Trabajando con el formato cuadrado de la película de gelatina de plata como un espacio geométricamente equilibrado, transforma la realidad en un reino espiritual. Nutrido por la cosmovisión andina y una conexión íntima con sus sujetos, su obra, impregnada de un sentido de lo insólito, trasciende lo visible para abrir un umbral a lo invisible. Las fotografías de Javier Silva Meinel forman parte de numerosas colecciones institucionales, entre ellas el Museo de Arte de Lima (Malí), el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Brooklyn, el Museo de Phoenix, el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac y la Biblioteca Nacional de Francia (BnF), así como de numerosas colecciones privadas en Perú, Estados Unidos y Europa.

La pianista argentina Lucia Abonizio presenta en la sala parisina “Les rendez-vous d’ailleurs” el espectáculo ‘El Aleph, Tango y laberintos” con el trio Monumental Tango. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Nacida en Rosario (Santa Fe), Argentina, y de una familia de músicos, Lucia Abonizio eligió París como su lugar de inspiración y residencia. Su formación clásica de piano comenzó en la Universidad de Música de Rosario en Argentina, donde recibió una sólida educación con Aldo Antognazzi, quien a su vez fue alumno de Arturo Benedetti Michelangeli. Continuó sus estudios en París con Jacqueline Bourgès-Maunoury. Diplomas y primeros premios se sucedieron rápidamente: Primer Premio de Piano de la Televisión Argentina, Primer Premio otorgado por unanimidad en el Conservatorio Nacional de Gennevilliers, y diplomas estatales en Argentina y Francia para la enseñanza del piano. Actúa como solista y en varios conjuntos instrumentales en Alemania, Luxemburgo, Italia, Suiza, Francia, Argentina y Brasil, y participa en numerosos festivales como "Piano en Creuse" y "Un Printemps en Hiver". "Jueves Musicales en Iglesias Románicas"; "Festival de Tango de Conflans"; "Festival de Tango de Poitiers"; “Festival Internacional de Ópera de Río de Janeiro”; “Musiques en Valois”, entre otros. Ha sido invitada varias veces en la Maison de la Radio (“Sur le pont des artistas”) y “Les Démons de midi”, y en el canal de televisión francés TV5 (“Paris Lumières”). Actualmente, compagina su actividad musical con la enseñanza. Profesora titular de piano en el departamento de Hauts-de-Seine, comparte con sus alumnos su pasión por la cultura musical argentina y latinoamericana. Por consiguiente, su programa ofrece un repertorio con gran potencial rítmico y melódico. Como docente, impulsó el proyecto "Alrededor del Tango", que integra la teoría musical con las clases de instrumento. Imparte clases magistrales sobre este proyecto en diversas instituciones, como los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Poitiers, Boulogne-sur-Mer, Verrières-le-Buisson y Le Plessis-Robinson. Ha sido artista residente en la región de Pays de Valois y en los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Clamart y Saint-Denis. Es responsable de la dirección pedagógica del taller de verano «Música Clásica y Latinoamericana», organizado por la Association des Rencontres Symphoniques (ARS) en Vercors, y del taller de «Tango Argentino» en el Château de Ratilly. Publicaciones más recientes: «Método de Piano-Tango», vol. 1 y vol. 2. Editions Gérard Billaudot.

La realizadora argentina Marina Rubino presentaba este lunes en la Maison de l'Amérique Latine de París su película “Yvonne” en la que cuenta la historia de Yvonne Pierron, sobreviviente a la desaparición de dos religiosas durante la dictadura argentina. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. Marina Rubino es una artista visual, cineasta y docente argentina. Desde 1994 trabaja en diferentes productoras de contenido audiovisual como archivista, asistente de dirección, de producción, de montaje, al tiempo que participa de exhibiciones de artes visuales en galerías de arte, museos y centros culturales. Es fundadora de Grupo Documenta, colectivo de artistas, profesionales, docentes y técnicos con trayectoria en el ámbito audiovisual desde el año 2001. Dirigió dos largometrajes: “Tunteyh o el rumor de las piedras” (2014), estrenado en el Festival Internacional de cine de Mar del Plata, e “Yvonne” (2019) estrenado en el Festival Internacional del nuevo cine latinoamericano de la Habana. Estos largometrajes fueron proyectados en salas de cines, festivales internacionales de cine, centros culturales, bibliotecas, ollas populares, entre otros, recibiendo premios y menciones. Realizó las videoinstalaciones “La Colección”, “Niño Bandera”, y los cortometrajes “Cielo Abierto”, “Mi amigo José”, “Prólogo”, “Wichí del monte y del río”, “Nocturno a mi barrio”, "Cuarto oscuro". Realizó la producción de los largometrajes “Mal del Viento” (2012), “La Ceremonia” (2014), “Nuestro Mundo Anuhu Yrmo” (2016), “Los Relocalizados” (2016) y “Fui Alan por un año” (2021). En este momento está desarrollando dos proyectos de largometraje: "Escala de grises", con dos sobrevivientes del campo de concentración ESMA de la dictadura en Argentina y "El tiro por la culata", vinculado al tema de la desaparición de las monjas francesas Alice Domon y Leonie Duquet en Argentina durante la dictadura cívico militar. Yvonne Pierron fue una religiosa francesa nacida en 1928 en Alsacia que dedicó su vida a ayudar a los más pobres. En 1955 se trasladó a Argentina como misionera, donde trabajó como maestra y enfermera, viviendo junto a comunidades vulnerables como campesinos e indígenas. Su compromiso estuvo siempre centrado en la justicia social y la dignidad humana. Durante la dictadura militar argentina (1976–1983), defendió activamente los derechos humanos. Fue cercana a las religiosas francesas Alice Domon y Léonie Duquet, quienes fueron secuestradas y asesinadas por el régimen. Debido a la persecución, Yvonne Pierron tuvo que huir del país en 1978.

El cantante senegalés Daouda Diabaté, afincado desde hace años en España en un valle de los Pirineos, ha venido a Francia a presentar su álbum “A new day” -un nuevo día- verdadero mensaje de esperanza para África y para el mundo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Daouda Diabaté, nacido en Ziguinchor, Casamance (Senegal), en 1974, proviene de una familia de Jaly, término que significa griot en francés. Inició su carrera musical a los 14 años, inspirado por la rica herencia cultural de su familia. Su filosofía musical, llamada abedical en mandinka, significa "dar lo mejor de uno mismo". Un proverbio africano dice que cualquiera puede convertirse en griot; solo hay que aprender. Pero uno no se convierte en Jaly por elección: se nace con este arte y con este deber de compartir la memoria en África. Así, los Jaly nacen en esta tradición y no pueden eludir la misión que se les ha encomendado. Algunos nombres predestinan a alguien al arte. Este es el caso de la familia Diabaté. Ciertamente, no es Sékou Diabaté de Bembeya, virtuoso de la guitarra apodado por la BBC "el hombre del dedo de diamante", quien nos contradirá, ni ningún otro miembro del linaje Diabaté. Cabe destacar que Daouda Diabaté nació en el seno de las familias Diabaté y Kouyaté, confirmando el dicho de que "la sangre habla". Otro proverbio dice que del hijo de un elefante se espera mucho más que un gran peso. Desde los 14 años, Daouda Diabaté supo que tenía una misión: aportar su toque personal a la herencia musical africana que su nombre ha perpetuado durante siglos. "Me crié con los sonidos y el concepto de la música abedical. Esto refleja la filosofía de mi enfoque artístico. Abedical significa literalmente en mandinka: 'Prometer dar lo mejor de uno mismo'. Mi música es abierta, de carácter universal. Demuestra que la música no tiene fronteras; se trata de atreverse a cruzarlas. Canto en francés, mandinka, wolof, inglés y español, colaborando con músicos que comparten mi sensibilidad musical, la que quiero mostrar". » Hace unos ocho años, se instaló en España, en Vielha, en el Valle de Arán, donde continuó su carrera musical y colaboró ​​con músicos locales.

El Power Tango Trio, compuesto por los guitarristas argentinos Javier Díaz González y Fabián Cortes y la contrabajista francesa Inés de Montesquieu, se presenta este viernes en la sala parisina Théâtre de la Terre. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Javier Díaz González nació en Buenos Aires. Guitarrista autodidacta. Compartió escenarios y grabaciones con las figuras más destacadas del Tango: Virginia Luque, Ernesto Baffa, Osvaldo “Marinero” Montes, Nelly Vázquez, Sandra Luna, Paco Peñalba, Juan Carlos Godoy Ricardo “Chiqui” Pereyra, Daniel Cortés, Carlos Morel, Walter “Chino” Laborde, Cucuza Castiello, Viviana Scarlassa, y muchos más. Ha actuado en escenarios de Buenos Aires, todo el interior de Argentina, Santiago (Chile) y Granada (España). Grabó mas de 20 discos. Ha sido también guitarrista estable de la emisora radial FM 92.7 Mhz “La 2×4” la radio de Tango de la Ciudad de Buenos Aires, ademas de participar en varios programas de televisión. Ha dictado clases de repertorio para cantantes de Tango en la Academia Nacional del Tango, de Buenos Aires e junto a Maria José Mentana. Fabián Cortez nació en el barrio de Flores (CABA, Argentina), el 6 de diciembre de 1966. Inició su formación musical, con la guitarra, a los 8 años. Se graduó como profesor de guitarra en la Academia Superior de Carmelo Rizzuti, capacitándose también en la Academia LeClech en teoría y solfeo. Luego obtuvo la diplomatura en Musicalización e Historia del Tango del Instituto Nacional de Tango (Marcelo Castelo). Como músico ecléctico, colaboró con El Laboratorio de Diego Merlo en la producción de tangos MIDI y librerías de sonido. Su trabajo en loops, batería y bajo también ha sido incluido en álbumes de reconocidas bandas de rock argentinas como Flema y Los Auténticos Decadentes. Inès de Montesquieu se destaca como una exquisita contrabajista de notable maestría. Su profunda formación, que incluye estudios en La Sorbona y la Universidad Paul Valéry de Montpellier, la ha preparado para una versátil carrera orquestal. Inès es una figura habitual en distintas formaciones, como la Orquesta del Conservatorio de Música de Marsella, interpretando con solvencia un amplio espectro de obras que van desde Ravel y Haydn hasta Falla, Bondon y Mozart. Demostrando su versatilidad, Inès de Montesquieu amplía su presencia musical en el ámbito del tango. Forma parte de la Orquesta Típica Lunes de Marsella, dirigida por el bandoneonista y pianista Fernando Maguna. Asimismo, es integrante del cuarteto femenino Utertango, una nueva propuesta que hizo su debut el pasado 20 de abril de 2025, en el festival Tango du Futur (Tango del Futuro), en Grenoble (Francia).

Los coreógrafos argentinos Margarita Bali y Gerardo Litvac obtenían el Premio Arte total de RFI - Radio Cultura 2025 por su espectáculo “Juego del tiempo”. Naturalmente han venido a celebrarlo con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Margarita Bali nace en 1943 en Capital Federal, vive su infancia y adolescencia en el barrio de Florida. Hogar bilingüe, de padres suizos Se gradúa del Colegio St Peters participando de actividades deportivas de atletismo y hockey. De 1962 a 1964 estudia en la UBA en la facultad de Ciencias Exactas, cursando la carrera de Física y luego emprende estudios paralelos en la carrera de Biología con la perspectiva de dedicarse a la Biofísica. En 1965 viaja a Estados Unidos y continúa su carrera en la Universidad de California en Berkeley, recibiéndose con un Bachellor of Arts en Ciencias Biológicas. Retomando un interés de infancia por el arte, cursa en la misma universidad también materias de historia del arte, dibujo y pintura. Incursiona por primera vez en la danza moderna lo cual fue una revelación importante que paulatinamente cambia su carrera. Convive en los años agitados de Berkeley en los 60, signados por la guerra en Vietnam y el auge del rock. Se traslada como estudiante graduada de Fisiología a la Universidad de Washington de Seattle y en 1968 nace su hija Valentina. Decide tomarse un año de libertad creativa alejada de la universidad y se inscribe en “The Factory of Visual Arts” donde toma cursos de diseño, arte textil y escultura de resina de polyester, exhibiendo luego sus esculturas y tapices en galerías de Seattle. Intensifica sus estudios de danza moderna y ballet hasta formar parte del elenco de la compañía Dance Theatre Seattle donde se inicia como bailarina profesional y crea sus dos primeras coreografías: Hasta que una Mañana y Crinoideos. En 1971 vuelve interinamente un año a la Argentina y se conecta con la danza contemporánea de Bs Aires en el estudio de Ana Kamien, donde conoce a Susana Tambutti en la muestra de fin de año de este estudio. Retorna definitivamente a la Argentina en 1974 y junto a Susana Tambutti y Ana Deutsch forman Nucleodanza, compañía de danza que tendrá 25 años de continuidad. Comienzan a realizar funciones asiduamente en los teatros del off: Sala Planeta, Teatro Payró, Teatro Armando Discépolo, Teatro Lassalle, Campana del Rosedal y también la prestigiosa Sala Casacuberta del Teatro San Martin. Monta las obras Pulsos, Climas Sónicos, Nocturno y Holothurnio, Juego del Tiempo, la Secretaria y Lunas. Realiza dos giras a Europa, en 1975 con Ana Deutsch y en 1976 con Daniel Angrisani, con obras propias y de los coreógrafos invitados Ana Itelman, Anamaría Stekelman, Mauricio Wainrot y Oscar Araiz. Forma parte del grupo de Danza Contemporánea del Teatro San Martin en 1977 y 1978 e interpreta roles de Itelman y Stekelman, y monta con el elenco las propias coreografías Biosfera y Lunas. Es intérprete de la película Borges para Millones de Ricardo Wullicher. En 1980 nace su hijo Lucas y en ese año abre su propio estudio de danza en Zabala 3040 en el barrio de Colegiales, en donde intensifica su actividad como docente de danza contemporánea. Nucleodanza abre la convocatoria a un elenco de 12 intérpretes y tanto Tambutti como ella realizan obras de mayor envergadura, fundamentalmente en el Teatro Presidente Alvear, y en todas las convocatorias de Danza Abierta de 1982 a 1984. Se crean las obras De Saco y Corbata, Ráfagas, Judith, Los tres Músico de Picasso (Bali) y Como de Costumbre, Pasos Perdidos, Living Room (Tambutti.) En 1985 Nucleodanza realiza la coreografía de la película Tangos, El exilio de Gardel de Pino Solanas y deciden conformar un grupo compacto de cuatro bailarines para concentrar sus objetivos en el desafío de llevar las obras de Nucleodanza al exterior. Se inicia así un periodo estimulante de diez años de giras en continuidad anual principalmente a Europa y a Estados Unidos, que luego continúa con presentaciones también en Korea, India,...

El realizador peruano Daniel Rehder presentaba este martes su película ‘No te mueras por mí’ en la clausura del Festival de Cine Peruano de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Daniel Rehder Normand (Lima, 10 de abril de 1992) es un director, escritor y productor peruano. En 2016 estrenó El Candidato, su primer largometraje como productor. Su ópera prima, Hotel Paraíso se estrenó en Perú en el 2019 y ganó más de 40 festivales a nivel mundial. Actualmente, se encuentra trabajando en Lima en el guion y desarrollo de su tercer largometraje El Atrapanieblas. Daniel se graduó en el 2015 de Tisch School of the Arts de NYU. Previamente, estudio derecho en Lima antes de decidir seguir su sueño y mudarse a Nueva York a estudiar cine. Daniel estrenó su ópera prima Hotel Paraíso en los cines de Perú en 2019 y luego en Ecuador en 2020, convirtiéndolo en uno de los primeros cineastas peruanos en hacerlo. Luego, participó con la película en más de 40 festivales. Antes de eso dirigió, produjo y escribió varios cortometrajes y estrenó dos películas como productor en Perú. Daniel quiere seguir haciendo películas con una connotación social en Perú y a la par mejorar la sustentabilidad de la industria cinematográfica peruana. Para ello, fundó con las empresas productoras de Perú la Asociación de Empresas Cinematográficas del Perú, en la cual fue elegido para la

El percusionista cubano Abraham Mansfarroll presenta el 17 de abril en la sala parisina Studio de l’Ermitage su nuevo álbum ‘Africa sí’. Pero antes ha estado junto a Yaroldi Abreu y Abdoulaye Koyaté con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Abraham Mansfarroll, nacido el13 de abril de 1974Es un músico, autor, compositor y percusionista cubano. Graduado de la ENA (Escuela Nacional de Arte), continuó sus estudios en el Instituto Superior de Artes de La Habana (ISA), equivalente a un conservatorio nacional de música, donde, tras obtener su diploma, se desempeñó como profesor de percusión. En 1997, creó su proyecto de percusión Pi-A-Pa y emprendió una gira por Francia en colaboración con el conjunto vocal Soli-Tutti. Con el grupo Síntesis y el del flautista cubano Orlando "Maraca" Valle, del cual es miembro, participa en diversos festivales en La Habana, así como en el extranjero (España, Bélgica, Francia, Suiza, Estados Unidos, etc.). En 2002, mientras estaba de gira con Las Hermanas Faez y Casa de la Trova, regresó a Francia y decidió establecerse allí definitivamente. Desde entonces, ha mantenido una colaboración regular con músicos y grupos de diversos orígenes musicales, entre ellos: Ernesto Tito Puentes , Patrice Caratini, Julien Lourau , Alfredo Rodríguez , Charles Aznavour , David Murray , Michel Fugain , Fred Pallem , Papa Wemba , así como Chucho Valdés (Jazz Bata 2), Ibrahim Maalouf (S3NS), Clara Luciani ... Mansfarroll ha participado en la grabación de numerosos CD para varios sellos discográficos en Francia y en el extranjero, como Rosalia, Starmania... En 2014, Mansfarroll creó el grupo Campana Project en torno al jazz afrocubano. Reunió a percusionistas, violonchelistas, bajistas, músicos de viento metal y madera de Perú, Cuba, Grecia, Marruecos, Madagascar ... prueba viviente de la universalidad de la música tal como la concibió Mansfarroll. Compuso y lanzó dos CD: Utopia Guantanamera (2016) y Dizzy el Afrocubano (2021), que presentó en el Festival Jazz à La Villette en Septiembre de 202 . En 2023, Mansfarroll fue seleccionado como "Artista de la Generación Spedidam" en la categoría "Jazz y Música del Mundo", y esto hasta 2025.

La artista mexicana Betsabée Romero inauguraba este viernes su exposición “Huellas y sombras florecientes” en la LODO Gallery de París. Pero antes estuvo con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Betsabeé Romero (Ciudad de México, 1963) es una artista visual mexicana. Su lenguaje artístico comprende instalaciones, arte objeto, intervenciones y videos; su estilo mezcla el arte contemporáneo con el arte popular. El trabajo de Romero se especializa en temas de importancia social como la migración, los roles de género, las tradiciones mexicanas, la religiosidad y el mestizaje. Para ello, utiliza y modifica artículos cotidianos de consumo global urbano como llantas, chicles, automóviles y tatuajes, transformándolos en objetos simbólicos que dialogan con problemáticas sociales, a los que impregna una connotación femenina para destacar el papel de las mujeres en la época moderna. Sus piezas, instalaciones e intervenciones son una reflexión acerca de las contradicciones de la modernidad. Desde su infancia, mostró un fuerte interés por el arte. Estudió la licenciatura de Comunicación en la Universidad Iberoamericana (1980-1984) y la maestría de Artes Visuales en la UNAM. Posteriormente, estudió en el Louvre y en la Escuela de Bellas Artes de París e hizo el doctorado de Historia del Arte en la UNAM. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha participado en más de 20 bienales y ha llevado a cabo más de 40 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Entre las que destacan las del Museo Británico, el Colegio de San Ildefonso, Museo de Arte Carrillo Gil, la Universidad UNISA de Sudáfrica y la Recoleta en Buenos Aires. Además, ha participado en numerosas exhibiciones colectivas como una exposición en el Louvre, una en la Fundación Santander, obras para el bienal de Cuba, el de Brasil y el de Filadelfia, entre muchas otras. Esta trayectoria la ha convertido en una de las principales representantes del arte latinoamericano del siglo XXI. Betsabeé Romero se ha mantenido fiel al estilo mexicano, rescatando tradiciones y elementos culturales: su obra hace referencias a los juegos de pelota, ídolos aztecas, representaciones prehispánicas de la muerte, etcétera. La temática de Romero se enfoca en los problemas de la realidad mexicana contemporánea, muchos de los cuales son herencia de un complejo proceso histórico. Por ejemplo, el tema de la industria textil de México y el tema mestizaje: La industrial textil en México ha sido muy importante desde que Hernán Cortés y los primeros españoles introdujeron los telares, la seda y las pieles ovinas a América; esta industria creció de manera importante durante la colonia, cuando incrementa la producción de algodón. Sin embargo, desde la primera industria textil mecanizada en 1835, se ha dejado de lado el trabajo manual de las costureras; en búsqueda de dignificar el trabajo manual de las costureras de su país, Betsabeé Romero ha apelado a las tradiciones textiles de México en sus obras, al utilizar muchos elementos bordados y tejidos. El mestizaje, por otra parte, es un rasgo actual que tiene sus orígenes desde la llegada de los españoles a América y se acentuó con el sistema de castas que se manejaba durante la colonia. Este problema se ha convertido en un aspecto intrínseco a la cultura y personalidad del mexicano, por lo que ha capturado la atención de la artista. Para representar el mestizaje, Betsabeé utiliza mucho los neumáticos, como emblema de la movilidad; el caucho de los mismos representa la mezcla de materiales. Desde 1997, Betsabeé Romero ha hecho importantes proyectos y ofrendas para el día de muertos. Esta celebración ha capturado el interés de la artista por ser muy emblemática de la cultura mexicana. El Día de Muertos es una festividad que se lleva a cabo en México y en América Central el 1 y 2 de noviembre como conmemoración a los difuntos. Tiene sus orígenes desde hace 3000 años, cuando los indígenas mesoamericanos rendían culto a la muerte; sin embargo,...

La artista argentina Constanza Piaggio protagoniza la exposición ‘Entre dos’ en la galería LAC Loukoums & Art Contemporain de París, junto a la francesa Deborah Fischer Naturalmente ha estado junto a la comisaria de la exposici, la cubana Dayneris Brito, con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Constanza Piaggio, nacida en Buenos Aires y radicada en París, desarrolla una práctica artística en laintersección de la fotografía, el cine y los dispositivos de video. Formada en fotografía, cine e historiadel arte, inscribe su trabajo en una reflexión profunda sobre los regímenes de representación y laspotencialidades contemporáneas de la imagen.Tras un inicio de carrera muy activo en Argentina, participa regularmente en exposiciones y feriasinternacionales. Instalada en Francia, se integra rápidamente en la escena artística. En 2011, fueseleccionada para la residencia Gyeonggi Creation Center en Corea del Sur, donde inicia un trabajo envideo. Sus obras forman parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas, como el Museum ofContemporary Photography de Chicago, el Chrysler Museum of Art de Norfolk, en Estados Unidos, asícomo el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La fotografía constituye un campo de experimentación central en su práctica; más que una herramientade captura, se convierte en un lenguaje plástico donde se despliegan materias, alteraciones ydifracciones. Su trabajo interroga tanto lo que la imagen muestra como aquello que retiene: el fuera decampo, el fragmento o la imposibilidad de representación.Impregnada de referencias pictóricas, su práctica nace de una atención contemplativa que evolucionahacia formas experimentales. Al manipular las propias condiciones de producción de la imagen, buscahacer emerger formas latentes de lo real, perturbar la percepción y desplazar las certezas de lamirada. Esta exploración adopta a menudo la forma de series, donde cada variación actúa como unintento de recomposición de lo visible. Mantiene así un vínculo estrecho con lo íntimo y la naturaleza,concebidos como espacios de proyección y transformación.La investigación de Constanza Piaggio se articula en torno a los estatutos y usos de la imagencontemporánea. A través de obras que convocan filosofía y poesía, propone una experienciaperceptiva en la que la imagen se despliega como un espacio de resonancia y pensamiento

Este miércoles se abría el Festival de Cine Peruano de París en el que este sábado el realizador peruano Santi Zegarra presenta su película "Pucallpa, La Europea". Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Artista visual, guionista y director, Santi Zegarra recorre el mundo a la búsqueda de si mismo. Estudió cine en Lima y luego continuó sus estudios en París. El tema central de su creación artística es la inmigración. Esta temática se trata especialmente en su próximo proyecto, Pucallpa, que narra la historia de una mujer transgénero peruana en París, la ciudad del amor. Asimismo, Santi Zegarra participó en una residencia artística de Changwon Rhizome 2019 y en el 24th Busan International Film Festival, en Corea del Sur. También, ha expuesto en Wangju, París, Londres, Sao Paolo, La Habana, Buenos Aires, Marsella, Lyon, Lima, Santo Domingo, etc. Santi Zegarra ha expuesto principalmente en el Memorial del Inmigrante, Sao Paolo en el marco del Año de Francia en Brasil, 2009; en la X Bienal de La Habana; en París, Marsella, Lyon, Lima, Santo Domingo, La Florida, Washington. Sus obras están en las Colecciones del Museo de la Inmigración de París, en el Fórum de las Imágenes de la Municipalidad de París y en Alta Tecnología Andina de Perú.

El realizador peruano Francisco Lombardi estrena en Francia la versión restaurada su película “La ciudad y los perros” de 1985, basada en la novela homónima de Mario Vargas Llosa. Este miércoles es además la película de apertura del Festival de Cine Peruano de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Francisco Lombardi nació el 3 de agosto de 1949 en Tacna. Cursó sus estudios primarios en el Colegio Nacional Coronel Bolognesi de su ciudad natal, y la secundaria en el Colegio de la Inmaculada de Lima, donde publicó sus primeras críticas de cine en la revista escolar Cine Estudio, editada en mimeógrafo. Esa publicación lo puso en contacto con el grupo editor de la revista de crítica cinematográfica Hablemos de Cine, donde publicó varios textos críticos. Luego estudió en la Escuela de Cine de la Universidad Nacional del Litoral en Santa Fe, Argentina, hasta que la institución fue intervenida por el gobierno militar de Onganía. Regresó al Perú y realizó estudios de cine en la Universidad de Lima. En 1974, fundó junto a su cuñado José Zavala Rey de Castro la productora Inca Films S.A., con el que comenzaron a filmar cortometrajes aprovechando la Ley de Fomento a la Industria Cinematográfica promulgada por Juan Velasco Alvarado. Entre sus cortos destacan Al otro lado de la luz, Tiempo de espera y Callejón oscuro. Además fue productor de cortometrajes de Augusto Tamayo, Aldo Salvini, Pablo Guevara, Augusto Cabada, Lucho Barrios, entre otros directores. En 1977 debutó en la dirección de largometrajes con Muerte al amanecer cuyo éxito de público y crítica le permitió emprender rápidamente Cuentos inmorales (1978), película de episodios junto a Augusto Tamayo, José Carlos Huayhuaca y Pili Flores Guerra. A partir de entonces, la carrera cinematográfica de Lombardi ha ido en ascenso filmando una serie de largometrajes, buena parte de ellos en coproducción con España y especialmente con Gerardo Herrero como productor. Lombardi también había sido productor de las series Bajo tu piel y Estrellita, así como de la película La fuga del Chacal de Tamayo. En 2002 fue reconocido por el Encuentro Latinoamericano de Cine, en que sus películas fueron emitidas en el festival de Lima. Ese mismo año, el Festival de Cine de Lima le otorgó el Spondylus, máximo galardón del evento, como homenaje y reconocimiento a su carrera de cineasta. En 2003 se desvinculó de Producciones Inca Films y a partir de ese momento trabajó independientemente. Su labor en el cine ha sido reconocida a través de homenajes y retrospectivas en varios foros internacionales, como en los Festivales de La Habana, Friburgo, Huesca y Trieste, entre otros. En 2004 Lombardi obtuvo el premio “Irene Diamond, Lifetime Achievement Award” que otorga anualmente Human Rights Watch «por su extraordinario compromiso con el cine de derechos humanos». También ha obtenido la medalla de Orden al Mérito Artístico y Cultural Pablo Neruda otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile «por su destacada contribución al cine y la cultura latinoamericanas». En 2014 el Ministerio de Cultura del Perú le otorgó el Premio Nacional de Cultura, máximo reconocimiento que otorga el estado a los creadores en las distintas áreas de la actividad cultural. En los últimos años ha incursionado también en la dirección teatral poniendo en escena hasta el momento seis obras con marcado suceso (Rancho, Se busca payaso, Cita a ciegas, La prueba, Las tres hermanas y Cosecha). En 2008 obtuvo el premio que otorga anualmente el diario El Comercio de Lima a “mejor obra del año” y “mejor director” en el área de teatro. Al margen de la actividad en el ámbito cultural Francisco Lombardi ha trabajado en la cervecería Backus, como uno de los dirigentes del Sporting Cristal (1994-1997 y 2000-2001), equipo de fútbol de la empresa cervecera, cuando este equipo se consagró tricampeón del fútbol profesional peruano los años (1994-95-96) y llegó a disputar la final de la Copa...

El violinista venezolano Pablo Agudo Lٴópez dirigiendo el Ensemble Les Impertinences saca al mercado ‘Bestiario’ su primer álbum dedicada los compositores ‘impertinentes’ del siglo XVIII. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé acompañado por la violoncelista francoargentina Emma Vignier. Nacido en 2003 en Valencia, Venezuela, Pablo Agudo López comenzó a tocar el violín a los cuatro años en El Sistema, compaginándolo con su formación musical con su padre. Fue miembro de la Orquesta Barroca Simón Bolívar durante cuatro años y es miembro fundador, arreglista y multiinstrumentista del Solsticio Ensamble en su ciudad natal, con el que ha ofrecido varios conciertos y grabado recientemente un álbum. Fue invitado a participar en un trío con Christoph Rousset, Florence Malgoire y Emmanuel Jacques en la 40.ª edición del Festival de Música Antigua de La Rotonde en Francia (2022). Colabora habitualmente con la Cappella Mediterranea, dirigida por Leonardo García Alarcón, con la que interpretó el estreno de La Passione di Gesù en septiembre de 2022 en el Festival de Ambronay. Grabó un álbum de duetos de Jean-Marie Leclair con Florence Malgoire para el sello Ricercar, producido por Jérôme Lejeune. Ha actuado bajo la dirección de prestigiosos directores y solistas como Gustavo Dudamel, Alfredo Bernardini, Michael Form, Paul Agnew, Andrew Parrot y Chouchane Siranossian, y también ha participado en clases magistrales con Leila Schayegh, Edson Scheid, Sigiswald Kujiken, Veronika Skuplik, Anne Katharina Schreiber, William Dongois, Thibault Vieux y Francesco Iorio, entre otros. Ha realizado estudios de violín barroco con Florence Malgoire en la Universidad de Música de Ginebra. Emma Vignier es una violonchelista franco-argentina formada en la Universidad de Música de Ginebra, donde se especializó en violonchelo e instrumentos históricos y obtuvo dos premios de música de cámara. Actúa regularmente con conjuntos especializados como Les Impertinences, Gravidades, La Guitarra de Babel y TakiPaki, explorando un repertorio que abarca desde el barroco europeo hasta las tradiciones musicales latinoamericanas. Recientemente ha actuado bajo la dirección de Ton Koopman, Leonardo García Alarcón y Andrea Marcon. En 2025-2026, ofrecerá conciertos en Europa y Latinoamérica con conjuntos como la Orquesta Barroca Simón Bolívar, la Frau Musika Orchestra y la Cappella Mediterranea.